2014年第67届嘎纳电影节已经开幕，而作为活动的一部分，“爱展能卓越奖”已经出炉，获奖者是维尔莫斯•齐格蒙德。
维尔莫斯•齐格蒙德，著名摄影师，美国电影摄影师协会会员，表作《第三类接触》《黑色大丽花》《猎鹿人》《激流四勇士》《漫长的告别》等。他1930年6月16日出生于在匈牙利的塞格德市。1956年,他因拍摄了涉及匈牙利革命的视频出逃。他最开始他只到了德国，但他说,“既然我们都跑这么远了，不妨去好莱坞吧。”他起初的摄影工作是拍一些低成本影片，主要在汽车旅馆和电视上放映。
1971年,罗伯特•奥特曼聘请齐格蒙德拍摄《花村》，这为他打开了好莱坞的大门。1977年,齐格蒙德凭借《第三类接触”获得奥斯卡最佳摄影奖。他共获得过五次奥斯卡提名。1997年,他在波兰Camerimage电影节上获得了终身成就奖。在1999年,美国电影摄影师协会也向他颁发了终身成就奖。 鉴于他的卓越贡献，2014年戛纳的爱展能卓越奖项是向他的致敬。（皮埃尔爱展能卓越摄影奖，英文名为Pierre Angenieux EXCELLENS in cinematography，爱展能是嘎纳的官方合作伙伴，2013年第一次颁发爱展能卓越奖，获奖者是来自美国电影摄影协会的菲利普•鲁斯洛（Philippe Rousselot，美国电影摄影师协会，法国电影摄影师协会会员）
维尔莫斯•齐格蒙德以下对话取自杂志《摄影师》
能告诉我们你是谁，然后从事什么工作的吗？
我叫维尔莫斯•齐格蒙德Vilmos Zsigmond，出生在于匈牙利,。我是一个电影摄影师。26岁时毕业于匈牙利电影学院。1956年匈牙利革命开始爆发，我离开祖国前往美国，一切从头开始。十年后,我开始拍摄大制作电影。
你是怎样成为一个电影摄影师的？
我在匈牙利的电影学院上了四年学，之后他们把我安排在一个摄影棚，这本来能帮助我成为一个出色的摄影师，但正如我开始说的,当时正在闹政治革命，所以我不得不背井离乡。
在这个革命期间发生了什么事？
在革命期间,许多摄影师以纪录片的形式记录真实镜头。俄罗斯人来了，我们不知道该怎么处理这些素材，所以我们开了个秘密会议，决定派人去把纪录片带去西方，把拍摄的纪录片带出去。我自告奋勇，因为我有理由去。那时候我父亲在摩洛哥工作。所以我找到了我的朋友 拉兹洛·科瓦奇（Laszlo Kovacs） ，他现在也是美国电影摄影师协会的成员，和还有另一个人,我们三个人带着纪录片逃到了奥地利。
那你怎么会跑到美国做摄影师？
首先，我不得不学习英语，因为我一句英文都不会，虽然我的法语更好。但是我想要尽可能远离匈牙利,便来到好莱坞，成为一个摄影师。当然，这事今天说起来容易,但在当时，我不懂英语，也不认识任何人。我那时去见了一些匈牙利籍商人，想着他们能不能帮助我进入电影行业，但没用。他们说如果我能向他们展示我会做的事情，他们就肯就帮助我。但如果我可以向他们展示我能做什么，还要他们帮我干嘛。
你的第一次突破是什么？
实际上是有好几次突破性进展，但我最大的突破是和约翰•奥斯汀拍的电影《序曲》。这影片获得了奥斯卡提名。它是一部个非常棒的关于超市的小电影，由约翰自导自编，还自演了主角。这部电影非常成功,很多工作室的同事制片厂的人都对它记忆犹新,所以当彼得•方达决定拍他的第一部长篇电影《雇佣的手》时，聘请了我。
你怎么确定电影风格的？
这很难说。首先，我会过下剧本，确定下大概的思路。然后会和导演坐下来讨论，导演在要怎么去导演，怎么去让演员配合这些方面还是比较有想法的。即使是这样，我们可能还不确定这部戏的风格是什么样的。就我个人而言，得先看拍摄地，这很重要。
比如说你们早早的到达了拍摄地点，喝着咖啡———那接下来干嘛？
开始制作前，我们已经去了拍摄场地，也大概知道我们要怎么做。一个重要的事情是决定不同场景的拍摄时间，以获得最好的光线。晨光和下午光是不同的。例如,洛杉矶正午的太阳光线, 也就是太阳在你的正上方（90度）, 对摄影师来说不是理想的效果。我不喜欢那样的光线，除非是要拍《正午》一样的电影,但很少人会想在这样的条件下拍摄。我喜欢在早上或者下午拍摄，也想试试我们可能在一天的中间才开始,但从来没这样做过，因为支付不起。所以我们必须竭尽所能调节灯光创造一个可以适应从早到晚的场景。
晨光和下午光有什么区别？
它们是相似的,但都非常不同于正午的光线。主要区别在于角度。例如,在瑞典，光线经常是非常漂亮的，即使是在夏天，光线也是来自一个较低的角度,可以形成一个非常好的主光源, 而且还是非常感性的光线。然而在加州是没有这样的光线的，这也是为什么所以我必须确定哪些场景必须在特定的光照条件拍摄。比如说，黄昏的光线就很神奇。太阳下山前的最后几分钟我们称之为神奇的时刻。这神奇的时刻持续的很短，电影摄影师非常喜欢在这些光线下工作。
转变风格时你有什么代表性的例子吗？
我很幸运能和罗伯特•奥特曼合作《花村》。罗伯特真是那种会在每部片子寻找不同风格的人。和他合作之前,我不太喜欢使用变焦镜头,但在那部电影里面他教我如何去用——变焦镜头不一定要用于变焦，而是要说更熟悉变焦的设置。他的确很擅长这个。
我们那时也想在电影中营造一种陈旧古老的感觉，但是在当时这种风格运用的还不多，所以我想在这个电影上多用闪光。这不是我发明的，据我了解，第一个运用的这么做的人是BSC的Freddie Young，这种做法正是我们想要的效果。我们降低了色彩的饱和度,因为那时候好莱坞的一切都带着鲜艳的典型的“特艺”风格,也就是那种非常明亮,非常饱和的颜色,但我们希望这部电影看起来很旧,像褪了色的彩色照片。所以决定用蓝色系拍所有的外景和用暖色系来拍内景。这样做是很自然而然的，因为当拍摄由从室外转到室内时, 灯光——主要来自于蜡烛和提灯——看起来温暖得多。我们拍摄的地方在温哥华，阴暗的天空和多雨的天实确实为那部电影提供了与众不同一幕。
和那次经历相比，你怎么看拍过的其他电影？
要讲的还是和罗伯特•奥特曼合作过的《漫长的告别》，这个影片和之前的完全不一样。我们仍降低颜色的饱和度使其看起来更自然,同时增加了很多摄影机的运动，而且经常在动（不管是不是已经放在摄影机移动台架上），一会儿上下左右移动,一会儿放大或缩小。我们几乎将一个人所能进行的摄像机移动都用上了。
有趣的是,不管情节是否需要我们都会去移动镜头，总是毫无理由的移动摄像机我觉得可笑,但罗伯特说不要担心,观众会喜欢的。事实证明他是对的，没想到连评论人都喜欢。那年我们获得了影评人协会最佳摄影奖。现在回想下觉得很奇怪,因为那时没人这么做。但它确实创建了艺术领域缺失的第三维度，通过突然提供的深度去看处于那一维度的对象。因为在任何情况下，在前景中的物体移动速度总是比其背后的要快。这个想想就会觉得很有趣。通常都会说，最好在需要的时候再去移动镜头,而不是总是,但是我们这样做绝对也是一种好的开始。
方法和技术之间的关系是什么?
在当今的电影里能看到很多手持相机移动产生的即时性的镜头,这效果更逼真。虽然我不是100%相信能达到效果，但在某些电影里面，效果却也极为惊人。这种风格需要轻量级设备,今天我们有很轻的摄像头，比如说Aaton用起来就像个摄像机。这样的东西有利于创造不同风格，以适合于不同类型的电影。
你一些其他电影的风格是如何形成的呢?
在《花村》里面,我们大风格里面有小风格的转变。一开始,我们利用强闪光竭力创造电影的年代感,但到了最后麦凯布死时，我们减弱闪光同时扩散光线，让画面看起来更真实，更具戏剧性。后来,我在几部其他的电影比如《幻想》上也使用了闪光。而在影片《漫长的告别》里,甚至用了比之前更强的闪光。
接下来是影片《激流四勇士》,是约翰•布尔曼和我合作的。这部影片我们创造了完全不一样的风格。约翰喜欢《花村》创造的效果，这也是为什么会邀我跟他合作《激流四勇士》。当时他正在华纳兄弟看日报,清楚的知道如果有人可以做出影片《花村》的效果,那人也可以做其他事情。
有趣的是多少次人们试图给每个电影摄影师贴标签。欧文•温克勒曾经说过,他依据不同风格来挑选电影摄影师。我真的很讨厌这种想法,说什么我只能有一个风格,别人再给我贴上标签，《花村》里的思维扩散就是我的风格标签,而不是我为这一部电影独创的形式。
拍影片《激流四勇士》的时候，我们在春天的乔治亚州，一切都是如此的明亮,色彩斑斓的美丽,但真的不适合这个故事。我们想要一个比现实生活更真实的场景,所以选择先将画面拍的非常清晰,然后去饱和。为保持图像清晰,我进行了三色印片染色转移过程处理，然后添加黑白的第四层。而一个戏剧性的场景——独木舟在激流中四分五裂——我们很幸运地赶上了阴天。实际上在拍摄期间好多个星期都是阴天，英格兰出身的约翰•布尔曼，爱死这天气了。太阳出来的时候，我们就暂停拍摄。有时候,我们会花几个小时等太阳被云遮住。抓对那部电影的氛围和风格很重要。
所以你的风格也是从时候开始形成的？
我真的不认为我们有自己的风格。我认为一个摄影师有一个固定的风格是不对的,因为你不能用相同的风格去拍的每一部电影。我注意到,许多如今的电影摄影师只使用柔光,但对我来说,除非为了符合特定主题，柔和的灯光是非常单调的。
我更喜欢使用方向性光源。可能是我太落后了,所以喜欢用菲涅耳灯,如果我希望它们变柔和,就会在灯光前放个阻碍的东西；如果我要刺眼的强光,就可以把扩散的东西移开。我也喜欢自然的阳光。在过去,我对白天内饰的光线把握不准，后来才发现秘密在于合理调节从窗户照进来的强光。
你怎样给演员打光？
对演员们我更倾向于使用柔光,因为他们经常想看起来比他们比实际上更好看，尤其是女性明星。虽然她们和别人一样年龄见长，仍希望自己看起来像二十几岁。柔光使人会让脸庞看起来漂亮。
对电影摄影师来说，光线是非常重要的,因为我们使用的光线类型实际上决定了拍摄现场的气氛。我的很多同行们在所有的情形下都用柔和的灯光,不管是剧情片还是喜剧。我不喜欢这种方法,因为我认为每部电影都应该不同。就我个人而言,我认为柔光会变的很无趣。我研究过很多的荷兰画家，他们就很少使用柔光，相反会用大量的平行光, 这同时也是我喜欢用的。
例如,柔光就不适用于《猎鹿人》和《激流四勇士》。如果阳光快照进一个房间时,我会打硬光,因为阳光会很明亮，会形成明暗强烈反差高对比度。太阳光的光比约16:1,与之相反的柔光则约2:1。强光更难使用,但是如果使用得当，它能更有效地创造戏剧需要的效果。
好的电影摄影师不只会利用光，他们也会利用阴影,因为灯光线会带来阴影,所以阴影更重要。 我最喜欢的电影胶片是5218型号。我多希望很早之前就希望就有这胶片，因为我曾经很挣扎过。比如，当时在用5279的时候,我发现它明暗反差度太大了。我喜欢有反差,但电影不能明暗差别太大，很多时候,我将使用较为柔和的胶片,因为当我喜欢在使用强硬光时,让它柔和一点。硬光和软底片通常比较对我胃口。
我们来比较下摄影机内的效果与后期制作的效果吧！
在场景上，我习惯尽我所能营造现场的气氛和效果。例如,我可能会用偏振滤镜来让天空变暗,这一点，现场做得比后期制作更好。很多人说后期能到你做需要的任何效果,这或许是真的,但也得考虑花费的时间吧。此外,我认为它并不会和没实地拍摄那么真实。